Kritische Anthologie

Giacinto Spagnoletti
Präsentation des Bandes „Das kleine Mädchen und die Revolution“ – Ed. Rebellato 1971

Ich hatte mir geschworen, keine Vorworte mehr zu Gedichtbänden zu schreiben. Gründe für Müdigkeit? Vielleicht. Fast zwanzig Jahre lang, seit Beginn meiner Jugend, habe ich – wie sich viele Freunde erinnern – auf Anregungen, Lesungen und Interpretationen zeitgenössischer Dichter und Anthologien bestanden … und irgendwann wird einem klar, dass jeder Lebensabschnitt einem Interessenschwerpunkt entspricht, der sich in der nächsten Jahreszeit ändern wird. Neben diesen persönlichen Gründen gibt es auch allgemeinere. Ich glaube, man braucht kein spezielles Radar, um zu erkennen, dass jeder Versuch der Einmischung, Präsentation oder Unterstützung der Verleger von Gedichten angesichts der Offensive der Direktwerbung immer vergeblicher wird, und diese wiederum wird durch den Angriff audiovisueller Medien erstickt, die die traditionelle Beziehung, die der Dichter von Mensch zu Mensch mit dem Leser aufbaut, zerstören können.

Wenn ich also jetzt über Tonino Gottarellis Buch spreche – dessen Titel das Grundthema eines von Bernanos’ Meisterwerken, Les grands cimétières sous la lune , zusammenzufassen scheint –, dann deshalb, weil ich seit 1961, also seit ich demselben Verlag die Sammlung „Gestern und Heute“ vorlegte, das Gefühl hatte, auf die Zukunft des Dichters gesetzt zu haben. „Sein undiszipliniertes Genre“, schrieb ich damals, „dieser völlig grundlose Impressionismus, dem er sich so viele Jahre lang hingegeben hat, ist vielleicht am Ende. In Bezug auf die Wahrnehmung wird der Dichter ebenso glücklich sein, in Bezug auf die Kommunikation nachtragender, humorvoller und farbenfroher.“ Und ich fügte hinzu: „Wir sind sicher, dass er uns Geschichten durch Bilder erzählen wird, er wird nicht nur mit seiner Sinnlichkeit, sondern auch mit seiner psychologischen Durchdringung hervorstechen.“

Ich hatte den Inhalt dieser „Geschichten“ nicht erraten und konnte mich damals auch nicht der anarchistisch-rebellischen Seite zuwenden, wo Gottarellis neues Wort Einzug gehalten hat. Eine Zwischensammlung, La botte di Diogene ( Das Fass des Diogenes), etabliert bereits einen sicheren Topos, „das Fass“, wie einen Zauber, aus dem die Entdeckung der Welt und ihre Verifikation fließen („ Der Grund des Lebens mag mir entgehen – aber nicht die Sprache der Grillen “). Im Bereich der Wahrnehmung unternimmt Gottarelli Schritte, um seinen radikalen Impressionismus zu überwinden, die Freude daran, die Heiligkeit der Natur von der Geburt bis zum Tod jedes einzelnen Bewohners der Welt zu genießen, die Entstehung von Sonnenauf- und -untergängen zu begreifen, in das Herz der Elemente hinabzusteigen. Und wie? Er schnüffelt, beißt, springt ins Fass, verlässt metaphorisch seine syntonischen Perspektiven, interpretiert den visuellen Raum auf seine eigene Weise neu und riskiert in diesen poetischen Collagen , die denen seiner malerischen Technik sehr ähnlich sind, die Hypothese einer sarkastischen Reibung zwischen dem Instinkt zu sehen und dem des Verstehens: eine Art aufregendes und erregtes mehrdimensionales Spiel, bei dem die formale Tatsache kein Selbstzweck mehr ist und sowohl „Verbote“ als auch Wahrheiten impliziert, die es im Bereich des Bewusstseins herauszufinden gilt. (…)

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George Ruggeri
„ Träume, Erinnerungen und tote Blätter in den Gemälden von Tonino Gottarelli“ - Ausstellungskatalog der Galerie „Casa dell'Arte“ (Sasso Marconi) - 1984

Tonino ist ein verliebter Aal. Man sieht ihm zu, wie er verträumt und einsam im spiegelnden und brechenden Licht dahingleitet, glaubt aber nicht, ihn packen und ihm ein Etikett verpassen zu können. Welches? Maler, Dichter, Philosoph, Träumer, geschliffener Dialektiker? Sucht man den Maler, findet man den Dichter unter den Füßen; folgt man dem Philosophen, entdeckt man den subtilen Arzt; lauscht man dem Träumer, spürt man die Gegenwart eines ewigen Liebhabers, man weiß nicht, ob der Natur oder der himmlischen Geschöpfe, die den Planeten bewohnen. Doch nun gilt es, den Maler, nur den Maler, einzurahmen und ihn zwischen uns zu sehen.

Ich verfolge ihn seit vielen Jahren und war stets fasziniert von seiner ständigen Bereitschaft, die Dinge mit dem Auge eines Dichters zu betrachten. Die graue oder blaue Linie am Horizont – sein Beispiel – erscheint ihm wie ein Verbot, über das nur er hinausblicken darf, und wie könnte man diese Linie übersehen? Sie verläuft mit unendlicher Zartheit über die Leinwand. Er selbst sagt, er vervollkommne sein Schicksal, indem er echte Blätter und Blumen, vergessen am Boden von Gräben oder Schubladen, aufhebt, um sie zu Collagen zu kleben oder auf die Leinwand zu malen.

Die Landschaften, die Meereslandschaften, die sanften Hügel seiner Romagna, die Blumen, die toten Blätter, jede seiner grafischen oder malerischen Interventionen trägt das unverkennbare Zeichen einer klaren Persönlichkeit. Der einsame Maler aus Imola, der sich jeder alten oder neuen Strömung fremd fühlt, scheint nur seinen Träumen und seinen Hingaben folgen zu wollen, die beide aus den Tiefen einer existenziellen Melancholie entspringen. Manchmal zwar gönnt er sich literarische Zugeständnisse; häufiger jedoch offenbart er sich mit Autorität, als Maler mit eleganter Handschrift, von guter figurativer Ausbildung, sogar ungeduldig in der Synthese der expressiven Geste; Meister einer geübten Technik. (…)

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Efrem Tavoni
Tonino Gottarelli Ausstellung – The House of Art Gallery – Sasso Marconi (Bologna) – 1985

(…) Tonino Gottarelli ist den Menschen der Romagna, seinem Land, ein lieber Name; auch wenn es für ihn etwas eng ist, denn als Künstler und Dichter sieht er sich als Weltbürger.

Seine Bilder entstehen aus einem Zustand ständiger Anmut, der seiner sanften Seele innewohnt. Lassen Sie sich beim Betrachten nicht ablenken: Sie werden die subtile Lyrik dieses Dichters mit Feder und Pinsel sofort entdecken und davon fasziniert sein. Wundern Sie sich nicht, wenn Ihnen der Name des Künstlers nicht geläufig ist. Unser Land hält glücklicherweise immer wieder Überraschungen bereit. Es gibt noch Maler, die im Stillen arbeiten, fernab vom Lärm von Mode und Werbung, und sich ernsthaft der Suche nach ihrer und unserer poetischen Wahrheit widmen.

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Alessandro Mozzambani
Präsentation der Notizbücher „Italienische Künstler von heute“ Nr. 500 – Ed. Ghelfi – 1988

Im Fall des Imolaer Malers Tonino Gottarelli bleibt die Unterstützung (und Durchdringung) des zeitgenössischen Dichters, die im Maler steckt, so lange sichtbar, wie dieser mit dem Dichter zusammenlebt. Giorgio Ruggeri warnt uns in einem schönen Text mit dem Titel „ Wenn der Dichter die Farbe der Rose entdeckt “: „Im Fall Gottarellis befinden sich Dichter und Maler in so großer Distanz, dass es unmöglich ist zu verstehen, wer die Oberhand behält; es ist unmöglich festzustellen, ob ein Dichter malt oder ein Maler Verse schreibt.“

Doch Gottarelli überwindet das Problem auf seine Weise, fast lässig, in seiner dialektischen „Sackgasse“, und zwar, indem er uns Gemälde präsentiert, die mit der wirkungsvollen Leichtigkeit eines Zeichens gemalt oder auch „geschrieben“ sind, das die Grenzen des Gemäldes nachzeichnet und gleichzeitig dessen Fähigkeit erweitert, den gemalten Raum in die physische Entsprechung dieser kalligrafischen und auch somatischen Zeichnung einzubeziehen. Graphologische Expertise ist dann nicht erforderlich, sondern eine Reihe von Anhänglichkeiten, Sympathien, Funken der Neugier: wenn das Zeichen den Bildraum unterstützt oder wenn stattdessen das nur angedeutete oder physisch definierte Gemälde das Schnippen des Handgelenks zelebriert, das seine Improvisation so verblüfft (das jedoch in der Nahaufnahme zu einem grundlegenden Element wird und weit über die Absichten hinaus die visuelle Botschaft, ihre süße didaktische Gewalt, ihren Duft dominiert: die zur leisesten Warnung, zum angedeuteten Witz einladen, aber aus der Evidenz der feierlichen Metapher). An diesem Punkt hat die Versuchung, sich dem Dichter oder auch dem Maler zuzuwenden, keinen Grund mehr zu existieren, da die Malerei in ihrer immensen Fähigkeit in der Lage ist, beiden die Rolle des Primats und der daraus folgenden sukzessiven Verschmelzung zuzuweisen und nunmehr das Maximum der Ergebnisse und der sowohl kritischen als auch emotionalen oder expressiven Folgen zu bestimmen. (…)

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 Frank Basile
„ Vista Grande“ – Präsentation des Ausstellungskatalogs in der Galleria Forni – Bologna – 1994

In Gottarellis Werk bleibt zwischen Wort und gemaltem Bild eine gemeinsame Wurzel, fast ein lyrischer Etrismus , der sich um die Farbe wickelt, um den Körnern, die aus der Mühle der Zeit gekommen sind, Maß zu geben. Schreiben und Malen, Dinge erzählen wie in einer auf der Straße aufgeschnappten Fabel und den Blick in ein Meer ohne Horizonte stoßen, weit weg, weit jenseits der physischen Daten, um eine Poesie zu leben, die ein Rausch zwischen Buchstabenstücken und Palettensplittern ist, um ein Gemälde zu komponieren, das der Auszug eines Traums ist, in dem Linien und Farbwerte Elemente sind, die mit den Akzenten der Entdeckung sprechen, befreit wie sie sind von jeder illustrativen Funktion. Und wenn sich der Künstler durch scheinbar unüberwindbare Antinomien blockiert fühlt, wenn der Nachhall eines entfernten Akkords nicht ausreicht, um eine sentimentale Anmerkung deutlich zu machen, dann liegt hier die Magie der elegischen Daten, sei es ein Zeichenergebnis oder eine chromatische Bedeutung. Es bleibt also nur die Einfachheit eines beliebigen Wortes, das auf die Leinwand angewendet werden kann. Es bleibt nur noch, die Fäden der Ausdruckskraft zu berühren, um jene Körner in einen aprospektiven Raum zu setzen, die in der Komposition zu Erscheinungen neuer Realitäten werden. Wie kann man auf eine poetische Fatalität anspielen, indem man eine zusätzliche Komponente identifiziert, die in eine leuchtende koloristische Gruppierung umgesetzt werden soll? Wie kann man eine Aktion ausführen, die in mancher Hinsicht der chromatischen Vehemenz Secams oder der Rastlosigkeit De Koonings zuzuschreiben ist, wo die Schraffur den Willen offenbart, sich nicht in Details und Einzelheiten zu verlieren.

Ungelöste Landschaften, die keine Definition der Realität bieten, Ateliervisionen, Blumen und Stillleben, die Figuren greifbarer Rätsel gleichen und zu privaten Attraktionen einer ebenso privaten Welt werden. Alles ist Anlass zur Analyse und zum Staunen für Gottarelli, der aus einem Windhauch wie aus einem Schatten Motive zu zeichnen versteht, die er mit bezaubernden Tönen umsetzt. Das Leben entrollt einen unendlichen Teppich aus Sonnenauf- und -untergängen, die Zeit rast wie ein Zug ohne Bremsen. (…)

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 Victor Sgarbi

„ Reich der Sonne die Hand“ - Präsentation des Katalogs „ Poesie wird Bild “ Pinacoteca Comunale Imola - 2000

„Reich der Sonne die Hand“. In dieser Rolle erkennt Tonino Gottarelli, ein Dichter mit Worten und Pinsel, seine Identität als Maler und identifiziert darin den wahren Sinn seiner Kunst. Eine Rolle, die für diejenigen, die Gottarelli nicht kennen, titanische Ambitionen zu haben scheinen mag, wie ein moderner Prometheus. Vielmehr ist es ein tägliches Oratio franziskanischer Demut, eine Philosophie nicht des Himmels, sondern der Erde und für die Erde, die eng mit den menschlichsten Gefühlen der Natur verbunden ist.

Der Sonne die Hand zu reichen bedeutet, in Gottarellis sanfter und beschwörender Sprache, „die Dinge aus der Dunkelheit zu holen“, über das hinauszublicken, was uns der physische Blick erlaubt, und tief in ihrem äußerlichsten Aspekt nach ihrer Substanz zu suchen. Der Sonne die Hand zu reichen bedeutet, mit den Augen der Seele zu schauen. Gottarelli schaut und malt seit fünfzig Jahren mit den Augen der Seele und macht diese Erfahrung zu einer lebensnotwendigen Notwendigkeit nicht nur für seine Kunst, sondern auch für seine Existenz. Gottarelli muss nicht auf Caspar Friedrich blicken, um seine zugleich existentielle und ästhetische Reflexion auf die Natur zu konzentrieren. Er braucht den emotionalen Schock , den die Erkenntnis des Erhabenen erzeugt, nicht, um sich selbst über die größten Systeme zu befragen.

Gottarellis scheinbar einfaches Wesen, so selbstverständlich in seiner Anlehnung an die Semiologie der modernen Zivilisation (die Verkehrsschilder, die Laternenpfähle, die in vielen Gemälden des Künstlers hervorstechen), so weit entfernt von jeglichem Grund zur Beunruhigung, scheint im Vergleich zu den romantischen Landschaftsmalern beinahe eine Dimension des Anti-Erhabenen zu definieren. Doch gerade dieser Kontrast zwischen Erhabenem und Anti-Erhabenem könnte Brüche zwischen Gottarelli und seinen früheren Theoretikern hervorrufen. (…)

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 Alberto Bretoni
„Gottarelli-Schriftsteller“ – Präsentation des Katalogs „Poesie wird Bild“ Pinacoteca Comunale Imola – 2000

... Wer ist Gottarelli, der Schriftsteller? (...) Er ist ein kultivierter Künstler mit akademischer Ausbildung. Sein Schreiben verwendet eine Sprache, die zwar noch Spannungen, manchmal Übertreibungen und das Offenlegen eines Herzens aufweist, aber bereits zu geordneteren Formen tendiert, Perspektiven aufzeigt und eine sensible Individualität in Beziehung setzt, die fühlt, wahrnimmt und sich wie eine Fotoplatte von den Phänomenen der Welt beeindrucken lässt. Gottarellis Schreiben ist in diese neue Prosa eingebettet, gespannt, nervös und rasant. Gewiss findet sich bei Gottarelli diese Fähigkeit, diese Dynamik, einerseits impressionistischer Bewegung, das festzuhalten, was im Augenblick, im Moment, außerhalb von uns, in der Realität erscheint; andererseits eine entgegengesetzte Spannung, expressionistischen Geschmacks, das Besondere zum Sprechen zu bringen. Es ist die Fähigkeit, diese Spannung zwischen Gegensätzen, die bei wahren Künstlern scheinbar ein Widerspruch ist, im Gleichgewicht zu halten und zum Ausdruck zu bringen, eine neue dynamische Qualität. Und Gottarellis Schreiben geht genau in diese Richtung. (...) Das bedeutet, dass Gottarelli ein Autor ist, der auf dem Papier keine Gewissheit darüber hatte, was er sagen sollte und wie er es sagen sollte, sondern ein Autor, der sich instinktiven Möglichkeiten öffnet, solange dieser Instinkt eine Vision der Realität formt, eine bewusste Position zur Realität und zur Realität formt. (...)

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Marilena Pasquali

„ Atem der Poesie “ – Präsentation des Katalogs „ Atem der Poesie “, Städtische Kunstgalerie Cesena – 2005

Jedes Mal, wenn ich vor einem Werk von Tonino Gottarelli stehe, spüre ich unmittelbar eine heitere Ruhe, die als bewusste Akzeptanz des Lebens gilt, so schön es auch sein mag, selbst wenn es so anstrengend und schwierig wie ein Hindernislauf ist. Tatsächlich helfen uns die Gemälde des romagnolischen Künstlers zu verstehen, wie man das Leben in vollen Zügen genießen kann, ohne zwangsläufig an diesem fast immer erbarmungslosen Wettlauf teilnehmen zu müssen, sondern sich eine Nische der Reflexion und Weisheit zu schaffen, die den Dialog mit anderen nicht von vornherein ausschließt, sondern authentische Beziehungen, tiefe Verbundenheit und echte Begegnungen erfordert.

Der Treffpunkt mit Tonino ist die Poesie, die er mal in Bilder, mal in Worte übersetzt, immer für kurze Atemzüge am Rande der Stille.

Seine Straßen, die sich im Anderswo verlieren, hinter dem Horizont einer Kurve; seine Blumen, die sich in der Leichtigkeit eines Blütenblattes konzentrieren; seine in Farbe getränkten Papiere, die sich voneinander zu lösen scheinen, um nach und nach einige Krümel einer anderen, tieferen Realität aufblitzen zu lassen; gewisse mit leichter Hand auf die Leinwand selbst gezeichnete Notizen, ein Zeichen, das die Magie der Farbe unterstreicht und sie festhalten will, während alles im Licht verblasst: Alles in Toninos Werk erzählt von seiner nun schon langen „Koexistenz mit dem Leben“, das in den geheimsten Falten des Alltags – den einfachen, fast spärlichen Gegenständen des Ateliers, den in der Erinnerung nachgebildeten Landschaften, einem Blumenstrauß, der langsam verwelkt, berührt von einem letzten Sonnenstrahl – seine ausdrucksstarke Rechtfertigung, seinen poetischen Grund findet. (…)

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Claudio Spadoni
 „Gottarelli: Die Vision-Emotion“ – Präsentation des Katalogs „ Die Farbe der Seele “ Museo San Domenico Imola – 2017

„Malen fällt mir leichter als Schreiben, und ich drücke Emotionen meist lieber durch Malerei aus. Ich male mit extremer Unmittelbarkeit und könnte mich mit jenen Schriftstellern vergleichen, die in der Lage sind, in zwei oder drei Stunden fünfzig Seiten zu schreiben, ohne jemals innezuhalten.“ Mit diesen Worten beschreibt Gottarelli bereits einige grundlegende Merkmale seiner Malerei als Antwort auf eine Frage von Paolo Levi. (…) Kurz gesagt: eine Emotion, die durch Bilder, Farben und Formen mit der Unmittelbarkeit, Spontaneität und Schnelligkeit der malerischen Geste, des Pinselstrichs, der fließt, einen Moment verweilt, wie von einem Windstoß getrieben über die Oberfläche gleitet oder sich verdichtet und auf der Leinwand oder dem Blatt fixiert, zum Ausdruck kommt. (…)

Die einzig mögliche Realität zu erfassen, die der Oberfläche, genau: „eine Art Schleier ohne Tiefe“, wie Gottarelli selbst schrieb, gemäß dem, was er „den Standpunkt“ nannte. Und sagen wir gleich: den Standpunkt eines Philosophen und eines Kindes zugleich. Denn bei Gottarelli verschmelzen die beiden Figuren fast paradoxerweise zu einer. Darin liegt die Originalität des Künstlers und des Menschen, gewiss jenseits von Konventionen, jenseits der Spielregeln, insbesondere unserer Zeit. Er konnte über Nietzsche, Groddeck, Reich sprechen und gleichzeitig mit großer Offenheit bekräftigen, ein Maler zu sein, der einfach nur Maler sein wollte, mit dem Ziel, einfach schöne Bilder zu schaffen, nicht ästhetische Paradigmen zu diktieren. Eine scheinbar fast entwaffnende Aussage, an die er sich gerne erinnerte; doch von Kandinsky übernommen und gewiss in dem Bewusstsein, dass sie im Mund eines Maler-Theoretikers wie dem Russen wie ein Oxymoron wirkte. Einer der vielen Widersprüche, auf denen ein Großteil der Geschichte der zeitgenössischen Kunst beruht. Gottarelli sagte, er sei nicht über die Oberfläche der Dinge hinausgegangen, womit er im Wesentlichen Landschaften oder Stillleben meinte, da seine Malerei über weite Strecken, abgesehen von einigen seltenen Erscheinungen, fast frei von menschlichen Figuren ist. (…)

Manchmal unterteilen Malerei und Collage auch Raumteile mit einem überraschenden Ergebnis der Osmose oder unterstreichen vielmehr die Beziehung zwischen unterschiedlichen Materialeigenschaften. Wie alle Gemälde Gottarellis gilt es, diese als Momente einer Vision und Emotion zu erforschen und zu entdecken, die jeden Tag mit unverfälschter Aufrichtigkeit und philosophischer Offenheit gesucht und gelebt werden.